Acerca de Alex Herrera Zamora

Youtuber, amo el Cine y los Videojuegos

Tema 9 – El decaimiento de Youtube -Lorem Ipsum

Un poco de contexto: Como sabe, vivo actualmente de generar contenido en internet y las redes sociales, mayormente en YouTube, así que quise compartir un poco sobre este mundo en el que he estado dentro por más de 10 años, quería escribir más pero no quise excederme con las reglas del ensayo, espero sea de su agrado.

La vida de un Youtuber no es fácil, igual que la de cualquier persona famosa, uno tiene rutinas de trabajo increíblemente grandes, viajando a todos lados con la intención de poder obtener unos minutos de material para poder producir un vídeo que genere expectativa y cause que presten atención, desde la planeación de las tomas, hasta la narrativa que llevará cada una de las entregas que sube públicamente.

La fama no es algo que sea fácil de combatir, a veces deseas poder salir a la calle, en pijamas, sin arreglarse o inclusive tal vez salir con alguien a quien apenas estás conociendo, y eso no es fácil porque cualquier persona te puede reconocer en la calle, y con hacer una cosa que le parezca incorrecta puede hundir tu carrera por completo, desde que estás tomando, hasta con quién estás caminando.

Todo esto acomulado al hecho de que (como en cualquier ámbito artístico) solo somos gente que está trabajando para una empresa haciendo lo que nos gusta y teniendo la oportunidad de tener una voz que se escucha, y con esto me refiero a que nos regimos por una empresa que al igual que tantas, está viciada causando que, aparentemente, afecte a sus trabajadores sin darse cuenta.

Yo comencé hace más de 13 años a hacer lo que me apasiona, producciones audiovisuales, hablando de lo que me gusta con pasión y dedicación, así como comenzó Youtube, una página de internet con una visión muy sencilla, compartir vídeos, compartir momentos de la vida de la gente común, y cuando creció, fue comprada por Google arruinando a la empresa tal como ha pasado con tantas otras.

Cuando fue comprado por Google, empezaron a generar cambios en las políticas de derechos de autor, comenzando una histeria colectiva en la gente con sus «strikes», castigos sencillos que dejaban una marca en tu canal de Youtube, pero con tan solo uno, ya no podías generar ingresos de ninguna forma en su plataforma.

Si uno tenía 3 strikes, perdía su canal, perdía horas, semanas, meses de trabajo y dedicación, sin escusas ni pretextos, perdía todo.

Durante años a las empresas solo les importaba generar dinero a partir de nuestro trabajo, no importa que hiciéramos, habláramos bien o mal de una película, videojuego o producto, exigían que tuvieras un strike con tal de obtener ganancias de tus vídeos, causando que muchos youtubers se fueran, se rindieran, se retiraran.

Y no fue hasta aproximadamente el año 2015 que las leyes de derechos de autor comenzaron a estabilizarse para no destruir a los creadores de contenido, pero sí continuando las limitaciones en su trabajo, podíamos hablar de lo que fuera, pero si había material visual o auditivo de alguna empresa, tendríamos prohibido ganar dinero de nuestro trabajo, por poner unos cuantos segundos de sus películas, canciones o eventos en un vídeo de 10 minutos que nos tomó 3 horas de producir, podíamos quedarnos sin un peso de ingresos por hacer lo que nos gusta.

Uno pensaría que las cosas iban a mejorar con el pasar del tiempo, pero en 2018, un Youtuber llamado «Logan Paul» vino a crear un antes y después en el mundo de los negocios, subiendo un vídeo de sus aventuras en un bosque de Japón, famoso por ser un lugar donde la gente se suicida.

Esta acción causó revuelo en todo el mundo, una indignación mundial que ocasionó que cientos de empresas destruyeran todos sus lazos con Youtube y Google, puesto que «no quieren asociarse con una empresa que permite ese tipo de contenido en su medio», ocasionando perdidas millonarias para la empresa, y por consiguiente, para sus trabajadores que vivimos de eso.

A partir de ese momento, todo cambió para nosotros de manera radical, en septiembre de 2019, el gobierno de los Estados Unidos decidió implementar la ley «Coppa», demandando a Youtube con sumas millonarias por violar está ley, causando que la empresa implementará un control sobre el contenido producido en todo Youtube donde especifique si es contenido exclusivo para menores de edad o no.

Las personas que declaran que sus videos eran para menores de edad (o su contenido incluía a menores de edad) fueron privadas de muchas opciones que Youtube tiene, limitando la publicidad que aparecería en los vídeos, prohibiendo comentarios entre cosas que reducen los ingresos de los creadores de contenido.

Ha sido un camino muy largo en más de 10 años para Youtube, y está en un momento de declive muy triste, ya que su evolución de diseño en su interfaz y algoritmos de programación están causando que muchos creadores de contenido, gente muy grande del medio abandone Youtube y se vaya a probar otras plataformas por las libertades creativas que tienen.

Será cuestión de ver qué futuro le depara a esta empresa que comenzó como algo tan sencillo e increíble y ahora solo es usada para sacar todo el dinero posible.

Fuentes: 

https://histinf.blogs.upv.es/2012/12/21/youtube/

https://www.google.com/amp/s/depor.com/depor-play/tecnologia/la-ley-coppa-en-youtube-que-es-como-afectara-a-los-canales-y-todo-sobre-la-polemica-de-la-nueva-regulacion-estados-unidos-usa-nnda-nnlt-noticia/%3foutputType=amp

Tema 6 – Lorem Ipsum Control Z

Equipo: Lorem Ipsum Control Z

El mundo de la televisión como el cine tiene grandiosos contenidos, con narrativas muy variadas dependiendo de que traten y de donde son, por eso quiero recomendar este programa que es Original de Netflix: Nuestra Tierra, una serie de documentales que muestran la magia del planeta donde vivimos con una narrativa visual y técnica maravillosas:

Otra de las series que me han gustado bastante es “Mejores que Nosotros”, una serie Rusa de Ciencia Ficción en la que los Androides y la Inteligencia Artificial ya son una realidad, incluso sustituyendo a los humanos en ciertos trabajos pero que aún se rigen por las tres leyes de la robótica, hasta que se crea una robot que va en contra de ellas y todo se sale de control.

Tema 5: Diferencias de Producción Cinematográfica y Televisiva

El mundo de la producción audiovisual ha crecido increíble y exponencialmente a lo largo de las décadas, empezando por la producción de cortometrajes y películas con cámaras gigantescas y pesadas a darnos la capacidad de grabar cualquier cosa desde nuestros teléfonos móviles. Pero aunque todos podemos hacer un vídeo, grabar nuestros vídeos con un dispositivo, hay una gran diferencia entre lo que se puede hacer con un teléfono móvil, una cámara de televisión, o una de cine, y esta ocasión hablaremos de estas dos últimas.

Como dice la página “ http://www.produccionaudiovisual.com ”:

La producción audiovisual es el arte de crear un producto para medios de comunicación audiovisuales, como el cine o la televisión. Abarca desde aspectos financieros (el capital), recursos técnicos y logísticos (los medios) hasta qué tareas se hacen cada día (el trabajo)

Una vez respondidas estas preguntas, puede pasarse a la realización del proyecto.

La producción audiovisual se realiza en 3 fases:
– Planificación (pre-producción)
– Ejecución (producción)
– Montaje y Edición (post-producción)

Cuando vamos a producir algo, siempre se requieren estas tres fases, aunque usualmente en el cine, dichas fases son mucho más elaboradas que en televisión, ya que se contrata a muchísima más gente, materiales de producción (Como cámaras), y uso de suelo (locaciones). Pero como todos sabemos, igual que todo negocio, hay un gran factor que cambia las cosas en este mundo: el dinero, y es por eso que mucha gente considera las producciones televisivas como algo mucho más sencillo e inferior en comparación al cine, cosa que en muchas ocasiones no es así.

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Vamos a empezar hablando de series “blockbuster” como Game of Thrones, una serie que empezó en 2011 y término en 2019, empezó con una audiencia de 2,2 millones de espectadores en HBO1 y con 11,99 millones en su último episodio2, creando un promedio de 6,86 millones de espectadores a lo largo de 8 años, han costado más que cientos de miles de películas (sobre todo las extranjeras), costando en la producción de su última temporada quince millones de dólares por episodio3, dando en total un costo de noventa millones de dólares en la producción de su última temporada en tan sólo seis episodios.

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Ahora, tomemos de ejemplo en el mundo del cine a la primera película de Silvester Stallone: Rocky de 1976, una película que le costó a Stallone casi la vida para poder conseguir menos de un millón de dólares para poderla producir y protagonizarla, pero al salir en cines logro recaudar más de 117 millones de dólares tan solo en Estados Unidos y siendo ganador de tres premios Óscar4 y considerada una película de culto.

Usualmente lo más visible en cuanto a comparación en este ensayo es la tercera fase, la post-producción, ya que aquí radica la colorización/corrección de color así como la iluminación en estos proyectos, para ello vamos a comparar dos obras de una misma franquicia pero en sus dos versiones, televisivas y cinematográficas:

Sherlock Holmes

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La futura trilogía cinematográfica protagonizada por Robert Downey Jr. Es para mí, la mejor de las tres iteraciones recientes de Sherlock Holmes, y es por tres razones5.

La época en la que se ubica: La segunda parte (Game of Shadows) tuvo un costo de producción de 125 millones de dólares, lo cual les permitió ubicar a esta versión de Sherlock Holmes en la época en la que se ubicaba en las novelas de Sir Arthur Conan Doyle: en el siglo 19, crear un mundo de época no es nada barato ni sencillo, requiere el uso de locaciones antiguas hasta vestimentas de época que no se consiguen en cualquier lado.

La posibilidad de usar VFX: Con un costo de producción como el de esta película, crear los efectos especiales es pan comido para una productora como Warner Brothers, ahorrando así el uso de extras, de edificios y de muchos otros objetos en pantalla para expander la visión y extensión del mundo que tratan de crear, desde recrear edificios de manera digital, hasta agregando personas caminando al fondo sin necesidad de ser reales. En el caso de la serie de televisión, por los costos se usan locaciones reales de Inglaterra los cuales se pueden conseguir fácilmente con el préstamo de suelo del gobierno y aunque se logran agregar efectos especiales, son mucho más notables por dos razones, que hay que entregar mucho más rápido el trabajo y no se paga lo suficiente para depurarlo por completo.VFX 1

VFX 2

La corrección de color: Una vez creados los efectos especiales, y toda la producción, llega finalmente esta parte, que crea una inmersión y tonalidad aún más grande expresando una idea o sensación para que el espectador entre más al proyecto, podremos tener, en el caso de la película tenemos tonalidades oscuras y sepias, mientras que la serie de televisión usa muchas tonalidades azules como se ven en las siguientes imágenes.

correccion 1correccion 2

1 Hibberd, James (21 de junio de 2011). «Game of Thrones finale ratings»Entertainment Weekly (en inglés). Consultado el 25 de enero de 2019.

2 «Ratings: Game of Thrones Series Finale Breaks Records, Tops 19 Million Viewers» (en inglés). Tvline.com. 20 de mayo de 2019. Consultado el 22 de mayo de 2019.

3 https://www.latimes.com/business/hollywood/la-fi-ct-game-of-thrones-hbo-future-20190414-story.html

4  «The 49th Academy Awards (1977) Nominees and Winners»oscars.org. Archivado desde el original el 25 de noviembre de 2011. Consultado el 4 de octubre de 2011.

5 https://www.youtube.com/watch?v=dWlZuuyz_Fc

Tema 2: Construcción de Atmósfera – Lorem Ipsum Control Z

John Lewis es una cadena de tiendas ubicadas en Reino Unido y desde el 2013 se han dedicado a hacer un vídeo navideño por año con un excelente estilo visual y narrativo que llega a sacarle más de una lágrima a varios de nosotros, lo elegimos no solo por la cantidad de sentimientos que nos puede causar, sino también por la capacidad de adaptar lo que en un principio fue una serie de bocetos, a toda una animación en Stop Motion con una narrativa no solo visual, sino también auditiva.

Este cortometraje Animado, llamado «Dear Alice» cuenta la historia de un artista desconfiado que debe inspirar a una pequeña niña de ojos grandes para que vea la belleza de sus dibujos antes de que el camión llegue a su parada.

Fue básicamente la tesis de Matt Cerini y producida por la Escuela de Artes Visuales (2018). El filme fue hecho en 10 meses y tuvo un equipo de 15 artistas en producción.

La forma de contar la historia no solo visual, sino auditivamente nos pareció una propuesta interesante, además de que tiene un bonito mensaje al terminar de verlo.

Charlie Chaplin, una leyenda del cine

Charles Spencer Chaplin, uno de los iconos más grandes del cine desde sus inicios hasta estas fechas, fue una persona que pasó por mucho antes de llegar al estrellato, el nació el 16 de abril de 1889 en Londres, Inglaterra, en el seno de una familia de teatreros, su madre, Hannah Chaplin, sustento a sus hijos Charles y Sídney con ocasionales presentaciones como cantante, a sus 5 años, Chaplin sustituyo a su madre en uno de estos eventos tras sufrir un ataque de psicosis, volviéndose poco a poco en un perfeccionista de la actuación.

Cuando trabajo en los Estudios Keystone, desarrollo a su personaje más famoso, Charlote, o “The Tramp”, un vagabundo ingenuo, pero de buen corazón que debuto en el corto “Carreras de Autos para Niños”, y fue un éxito instantáneo, un fenómeno mundial.

En 1916 firmo un contrato por 670,000 dólares por año con The Mutual Company, quien le dio su propio estudio para trabajar, consolidándolo como uno de los artistas mejor pagados en el mundo a sus 26 años. Era tan famoso que se organizaban concursos anuales de imitadores de Chaplin, cuenta la leyenda que en uno de ellos asistió el mismísimo Chaplin, solo para quedar en el lugar número 20 del concurso.

Durante esta etapa produjo filmes altamente aclamados por la crítica, como “Charlot Noctambulo”, “Vida de Perro” y “El Chico”, que fue la primera película de Chaplin en superar la duración de una hora y fue pionera en combinar el género de comedia con drama.

Chaplin fue durante décadas un símbolo del cine y de la comedia, arrancando sonrisas con su entrañable personaje, pero no fue hasta 1940, que lanzo “El Gran Dictador”, donde satirizaba a Hitler y a la ola nacionalista en Europa, lo que le supuso ser calificado como propagandista contrario a los intereses de Estados Unidos, quienes en 1952 le llegaron a prohibir su regreso al país donde había vivido durante 40 años.

Antes de su entrada en la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos había preferido mantenerse al margen de las tensiones europeas y del auge de los beligerantes nacionalismos que veía con buenos ojos porque se oponían a la que consideraba la gran amenaza de la época: el comunismo.

El antifascismo que emanaba de “El gran dictador” se entendió como un procomunismo encubierto, y muchos juzgaron por ello a Chaplin, quien pasó a engrosar la lista negra de artistas vetados por Hollywood.

El argumento del filme se centraba en dos historias, la de un barbero que vivía en un gueto en un país imaginario llamado Tomania, y la del ambicioso líder de ese estado, el dictador Hynkel, ambos personajes interpretados por Chaplin. Tomania era una alusión a Alemania; Hynkel, a Hitler; y el barbero simbolizaba la víctima de la tiranía.

Esta película ha sido la más icónica de Charles a la fecha, siendo la primera vez que hablo en una de sus películas trasmitiendo un mensaje serio y fuerte sobre la importancia de la libertad de las masas, despidiéndose definitivamente del hombrecillo mudo que creo años atrás y tiene que ponerse a buscar un cine para realidades tremendamente más complejas.

Fue un momento muy triste y bajo para Chaplin, puesto que realizo otras dos películas estadounidenses que fueron tremendamente criticadas y destruidas por los Estados Unidos, “Monsieur Verdoux” y “Candilejas”, siendo un gran fracaso comercial igualmente.

No fue hasta 1972 que volvió a Estados Unidos para recibir un Oscar Honorífico tras el cambio de gobierno en dicho país e igualmente se convirtió en Caballero de la Orden del Imperio Británico en 1975, falleciendo dos años después mientras dormía plácidamente en cama.

Fuentes: https://www.charliechaplin.com/en/articles/21-Overview-of-His-Life

Charles Chaplin, 1964, Mi Autobiografía, ed. 1993, editorial Debate

PHP (Sitio Web)

PHP, acrónimo recursivo en inglés de PHP: Hypertext Preprocessor (preprocesador de hipertexto), es un lenguaje de programación de propósito general de código del lado del servidor originalmente diseñado para el preprocesado de texto plano en UTF-8. Posteriormente se aplicó al desarrollo web de contenido dinámico, dando un paso evolutivo en el concepto de aplicación en línea, por su carácter de servicio.

Su implementación en los documentos HTML era aparentemente muy sencilla. Hay que decir, que, PHP no genera HTML, sino que ofrece una salida de texto con codificación UTF-8 compatible con los documentos HTML. El programador puede dotar a la salida de los tag’s propios del HTML y los exploradores más comunes para navegar por internet, reconocerán muy rápidamente el formato UTF-8 y lo adaptarán ofreciendo una salida entendible.

Fue uno de los primeros lenguajes de programación del lado del servidor que se podían incorporar directamente en un documento HTML en lugar de llamar a un archivo externo que procese los datos. El código es interpretado por un servidor web con un módulo de procesador de PHP que genera el texto plano en formato UTF-8, ampliamente reconocido por el estándar HTML, dando como resultado, en los exploradores, una salida al usuario perfectamente entendible.

PHP ha evolucionado por lo que ahora incluye también una interfaz de línea de comandos que puede ser usada en aplicaciones gráficas independientes. Puede ser usado en la mayoría de los servidores web al igual que en muchos sistemas operativos y plataformas sin ningún costo.

Fue creado originalmente por Rasmus Lerdorf en el año 1995. Actualmente el lenguaje sigue siendo desarrollado con nuevas funciones por el grupo PHP.​ Este lenguaje forma parte del software libre publicado bajo la licencia PHPv3_01, una licencia Open Source validada por Open Source Initiative. La licencia de PHP es del estilo de licencias BSD, sin la condición de copyleft asociada con la Licencia Pública General de GNU.

NTSC (Formato de Televisión)

Llamado así por las siglas de National Television System Committee, (en español Comité Nacional de Sistema de Televisión) es el sistema de televisión analógico que se ha empleado en América del Norte, América Central, la mayor parte de América del Sur y Japón entre otros. Un derivado del NTSC es el sistema PAL que se emplea en Europa y algunos países de Sudamérica como Argentina, Uruguay, Brasil y Paraguay.

En diciembre de 1953, se aprobó por unanimidad lo que ahora se conoce como el estándar de televisión color NTSC, posteriormente definido como RS-170A. El estándar «color compatible» mantenía completa retrocompatibilidad con los aparatos de televisión blanco y negro existentes.

La información de color fue añadida a la imagen en blanco y negro mediante la adición de una subportadora de color de 4,5 × 455/572 = 315/88 MHz=3,579545455 (aproximadamente 3,58 MHz) a la señal de vídeo. Para reducir la visibilidad de la interferencia entre la señal de crominancia y la portadora de sonido en frecuencia modulada, se requirió una ligera reducción de la velocidad de 30 a aproximadamente 29,97 fotogramas por segundo y el cambio de la frecuencia de línea de 15750 Hz a aproximadamente 15734,26 Hz.

La primera emisión pública de un programa usando el sistema «color compatible» NTSC, fue un episodio del programa infantil de NBC Kukla, Fran and Ollie emitido el 30 de agosto de 1953, a pesar de que se pudo ver en color sólo en la sede de la emisora.​ La primera emisión visible a nivel nacional de NTSC en color fue realizada el 1 de enero de 1954 con la emisión de costa a costa del Desfile de las rosas, y que pudo verse en los receptores de color prototipo en presentaciones especiales en todo el país.

La primera cámara de televisión para la norma NTSC de color fue la RCA TK-40, utilizada para las transmisiones experimentales en 1953 y una versión mejorada, la TK-40A, introducida en marzo de 1954, que fue la primera cámara de televisión en color disponible en el mercado. Más tarde en ese año, la cámara mejorada TK-41 se convirtió en el estándar de cámara utilizada en gran parte de la década de 1960, en Estados Unidos.

El estándar NTSC ha sido adoptado por otros países, la mayoría de las Américas y Japón. Con el advenimiento de la televisión digital, las emisiones analógicas se están eliminando en Estados Unidos, mientras que en otros países este cambio tomará cierto tiempo. La FCC ordenó que la mayoría de las emisoras NTSC de EE. UU. apagaran sus transmisores analógicos en 2009.​ Las estaciones de baja potencia, las estaciones Clase A y las estaciones de retransmisión fueron afectadas de inmediato.​ Finalmente, la FCC estableció que el 1 de septiembre de 2015 terminarían todos los servicios de televisión analógicos de Estados Unidos, incluidos los de las estaciones de baja potencia​ por lo que los usuarios de ese país, debieron adquirir equipos decodificadores para sus televisores tradicionales o nuevos equipos con sintonizador digital.

Plano Secuencia

Es un recurso cinematográfico que consiste en una secuencia filmada en continuidad, sin cortes, durante un tiempo prolongado.

En realidad, un plano secuencia es algo que casi todos hemos hecho al rodar nuestros propios vídeos domésticos –por ejemplo, al grabarnos mientras disfrutamos de las vacaciones–. Por desgracia, este recurso, en manos inexpertas, puede resultar de lo más aburrido; no así cuando son profesionales del cine o la televisión quienes lo utilizan. En este caso, el plano secuencia se suele usar para darle un efecto dramático y narrativo a la secuencia y acercarla más a la vida real.

Existe la creencia extendida de que La soga (1948), uno de los títulos míticos de Alfred Hitchcock, es una película rodada en un solo plano secuencia, y esa era la intención del director británico, pero la tecnología del momento no lo hacía posible. La cinta consta en realidad de once tomas diferentes –disimulaba algunos de los cortes enfocando la superficie de la espalda de alguno de los personajes–, ya que las cámaras, debido a la longitud máxima de los rollos, solo podían grabar unos 10 minutos seguidos.

Enunciación

Conjunto de condiciones de producción de un mensaje: quién lo emite, para quién, cuándo, dónde; estos elementos permiten interpretar el sentido último del enunciado, producto resultante de la actividad enunciativa.

El término enunciación se emplea en lingüística de forma sistemática a partir de C. Bally (1932); É. Benveniste (1966, 1974) desarrolla la denominada teoría de la enunciación, en la que analiza y describe el proceso de producción lingüística que desemboca en el enunciado; desde entonces, la enunciación constituye uno de los temas de investigación más característicos de los estudios franceses en análisis del discurso. Benveniste define enunciación como el acto individual de apropiación de la lengua. Para este autor, sistema lingüístico y proceso comunicativo son inseparables, pues ciertos elementos de la lengua adquieren significación sólo cuando son actualizados por el hablante en el momento de la enunciación. De este modo, las personas, el tiempo y el lugar del enunciado se identifican por su relación con la situación de enunciación.

En la lingüística europea, a partir de Benveniste, el concepto de sujeto productor del discurso o voz enunciativa se une a la observación de su presencia en su propio discurso: a través de la enunciación el sujeto construye el mundo como objeto y se construye a sí mismo. El yo enunciador precisa, por el mero hecho de existir, de un no-yo: el tú enunciatario o también denominado coenunciador. El aquí y el ahora representan, respectivamente, el lugar y el momento en que se produce la enunciación. Todos aquellos elementos que hacen referencia tanto al yo y al  como al aquí y al ahora se consideran índices específicos de la enunciación o deícticos.

O. Ducrot (1984) ha destacado la polifonía o presencia de distintas voces en el proceso de enunciación:

  1. el emisor o sujeto empírico: quien efectivamente produce el discurso; por ejemplo, el Quijote fue producido por el escritor real Miguel de Cervantes;
  2. el locutor o sujeto de la enunciación: la voz que toma el enunciado bajo su responsabilidad; por ejemplo, los dos narradores —Cide Hamete Benengeli y la voz anónima que oye o lee directamente el lector, y que no es la de Cervantes— que cuentan la historia de Don Quijote y Sancho en el Quijote;
  3. y el enunciador o sujeto del enunciado: las otras voces o puntos de vista que aparecen en el discurso; en el caso del Quijote, los distintos personajes que intervienen en la obra.

Bibliografía:

  1. Kerbrat Orecchioni, C. (1986). La enunciación. De la subjetividad en el lenguaje, Buenos Aires: Hachette.
  2. Lozano, J., Peña-Marín, C. y Abril, G. (1989). «Sujeto, espacio y tiempo en el discurso». En Análisis del discurso. Hacia una semiótica de la interacción textual. Madrid: Cátedra, capítulo III.
  3. García Negroni, M.ª M. y Tordesillas, M. (2001). La enunciación en la lengua. De la deíxis a la polifonía, Madrid: Gredos.